06 Ott Il dramma: dal semplice al semplicistico
Oggi desidero parlare di un argomento che riveste un ruolo drammatico nella mia vita di designer industriale minimale. L’incessante ricerca del minimalismo e la costante necessità di sintetizzare ulteriormente i miei progetti a volte portano al tedio o a un senso di déjà vu.
Sì, perché quando si tratta del vostro tavolino da caffè, optare per l’opzione più raffinata, come una scatola realizzata in compensato fenolico di frassino, potrebbe far scattare il pensiero, “Forse non c’è bisogno di un progettista per un compito così semplice”. Tuttavia, questa idea è tutt’altro che accurata. La semplice considerazione che provoca tale conclusione è sufficiente a giustificare il pagamento del lavoro.
La sfida sta quindi nel creare qualcosa di troppo facile da replicare. Così facendo, potreste scoprire la vostra creazione ovunque, magari perché qualcun altro ha già concepito l’idea. Inoltre, le aziende non etiche potrebbero inondare il mercato di repliche. A complicare le cose, le tutele della proprietà intellettuale potrebbero non essere applicate a causa della semplicità percepita del design.
Esiste una soluzione? Sì.
Vorrei chiarire che questo non è un tutorial per diventare un designer esperto. Si tratta invece di una contemplazione di potenziali soluzioni dal mio punto di vista. Immaginiamo di essere seduti insieme un venerdì sera in un pub, impegnati in una conversazione sul design. Ecco cosa condividerei, anche se il mio punto di vista potrebbe cambiare dopo la seconda birra. Credo fermamente che le discussioni aperte e la considerazione di punti di vista diversi siano la strada da seguire. Se avete spunti per integrare o controbattere i miei ragionamenti, sentitevi liberi di condividerli nei commenti o tramite messaggi privati.
Perché lo sottolineo? Perché considero il design un’arte, non una scienza rigida. Non ci sono regole fisse.
Intraprendiamo quindi questo viaggio.
Cresciuto come designer sotto l’influenza di figure come Mari, Morrison, e Castiglioni, naturalmente traggo immensa soddisfazione dall’osservare progetti minimalisti ben eseguiti. Niente forme stravaganti, prezzi ragionevoli e materiali naturali: questi sono i miei principi guida.
Eccellente.
Questi principi sono indubbiamente validi e rilevanti per diversi oggetti, soprattutto per quelli che il design non ha ancora esplorato a fondo o per quelli che sono del tutto nuovi. Tuttavia, è possibile attenersi rigorosamente a questi principi per oggetti consolidati come mobili, lampade, automobili e prodotti tecnologici? La risposta non è semplice. Spesso dipende dal caso specifico, ma in generale propendo per la diversificazione del nostro approccio.
Ai tempi in cui studiavo, alcuni compagni mi suggerirono di passare all’ingegneria del design a causa del mio approccio iper-razionale alla progettazione. Non incorporerei elementi decorativi o curve inutili a meno che non abbiano uno scopo funzionale, una riduzione dei costi o un altro motivo razionale. Questa mentalità riecheggia una prospettiva ingegneristica. La mia inclinazione derivava da un semplice fatto: nessuno mi aveva spiegato le ragioni alla base della creazione di nuove forme nel design.
L’iscrizione a una scuola di design implica intrinsecamente l’impegno in forme nuove e innovative fin dall’inizio. È come frequentare una scuola di cucina con la tacita consapevolezza che i piatti che creiamo non devono solo avere un buon sapore, ma anche essere nutrizionalmente validi. Tuttavia, il regno del design non è così semplice; non siamo culturalmente predisposti a comprendere l’importanza di plasmare l’ambiente che ci circonda sia per la funzione che per l’emozione.
Storicamente, la decorazione o l’uso di forme sinuose servivano spesso a mascherare le imperfezioni di fabbricazione. Prendiamo ad esempio il lavandino del bagno. Negli anni ’90 era comune che i lavelli fossero grandi, arrotondati e vistosi. Questo approccio progettuale è emerso perché il bacino di ceramica tendeva a deformarsi durante il processo di cottura, simile a un pan di Spagna sgonfio. Per ovviare a ciò, sono state impiegate forme espansive arrotondate per minimizzare la deformazione e ridurre gli scarti di produzione.
Il momento cruciale è arrivato con la Acquagrande collezione di designer Roberto Palomba e Giulio Cappellini per Ceramica Flaminia nel 1997. Si sono cimentati con le linee rette, costringendo l’azienda a innovare e progettare una nuova forma. Non era solo una scatola, ma aveva un significato. Simboleggiava il progresso tecnologico e le strade inesplorate del design. Sebbene questa forma sia ormai comune grazie al suo successo, allora rappresentava un punto di svolta.
Merita ancora oggi di essere replicato? No. È stato fatto, è stato stabilito e non richiede un’imitazione priva di valore aggiunto.
Ora, il nocciolo della questione è che ci viene insegnato a percepire questo come un punto di partenza, mentre la realtà ci dice che padroneggiare una tale semplicità richiede un’abilità eccezionale.
Picasso, ad esempio, si è avventurato in Il cubismo (tecnicamente “più facile”) dopo aver affinato le abilità pittoriche classiche fino al punto in cui aveva bisogno di esplorare nuove strade per esprimersi pienamente. L’approccio inverso, ovvero iniziare con il cubismo e poi tentare di dipingere in modo convenzionale, è intrinsecamente difettoso.
Capire perché i progetti storici erano pesantemente ornati può far luce sull’evoluzione verso il minimalismo. Questa comprensione porta a una scelta consapevole tra i due approcci (che non necessariamente si escludono a vicenda).
Il design non è solo un’attività commerciale, ma è intriso di cultura. È quindi indispensabile rispettarla e applicarla con giudizio per evitare la mediocrità.
Thomas Heatherwick, eminente designer divenuto architetto, presenta un video accattivante intitolato The Case for Radically Human Buildings.
[Si tratta di una risorsa pertinente, anche se mi scuso per essermi spesso basato su esempi architettonici; purtroppo, i progettisti raramente si addentrano in discussioni di questo tipo online”.]
Abbracciare il minimalismo in modo superficiale rappresenta la nostra crisi contemporanea, come sottolinea Heatherwick, che manca di un elemento fondamentale: l’emozione, la capacità delle strutture di risuonare con noi. Applicando il minimalismo in modo semplicistico si ottengono design privi di significato nella nostra epoca. Tutto appare omogeneo e la comunità del design può lodare un vaso cilindrico abilmente realizzato, ma l’interesse dei consumatori rimane basso.
Il minimalismo, se usato in modo appropriato, ha un significato profondo e può essere uno strumento potente. Altrimenti, soccombe al tedio.
L’Acquagrande avrebbe potuto sfoggiare sfaccettature invece di una facciata semplice? Non è probabile. Rappresentava il progresso e l’esplorazione, e richiedeva semplicità per trasmettere il suo messaggio con forza. Più superfici avrebbero diluito il suo impatto.
Pertanto, le forme semplici devono possedere un significato, altrimenti sono semplicemente semplicistiche. Non si tratta solo di efficienza produttiva, ma anche di emozioni senza una logica di produzione tangibile. Un esempio è rappresentato da Nendo Deepsea per Glass Italia. Composto da più strati di vetro, dà l’illusione dell’oscuramento, anche se si tratta solo di un effetto ottico.
Nessuna curva, solo semplici superfici rettangolari. Perché? L’attenzione è rivolta al colore, non alla forma. Questo esemplifica un minimalismo significativo con forme semplici. C’è un concetto tangibile dietro, ed esprimerlo in modo così diretto è una prova di sensibilità e di capacità di trasmettere idee senza distrazioni.
Considero il minimalismo come una meta, raggiungibile una volta compresi funzione, decorazione ed emozione. Ecco perché condivido qui le mie riflessioni: per affinare i miei pensieri e tracciare una traiettoria creativa.
Questo è il mio punto di vista e sono ansioso di sentire il vostro. Per favore, condividete i vostri pensieri!
Nel prossimo articolo mi dedicherò agli studi di design pionieristici che osano rischiare.